Dziesięć polskich filmów reżyserek, które musisz zobaczyć

Autorstwa Isabel Jacobs

Agnieszka Hollands świętowała Zielona granica (2023) miał premierę w Wielkiej Brytanii i USA w ubiegły piątek. Najnowszy film reżysera to mrożący krew w żyłach dramat, który splata historie migrantów, którzy utknęli w zalesionej strefie wykluczenia na granicy polsko-białoruskiej, z historiami funkcjonariuszy i działaczy granicznych.

Holland nakręciła w Polsce zaledwie kilka filmów, w tym swój pierwszy pełnometrażowy Aktor prowincjonalny (1978) przed wyjazdem do Francji w 1981 roku, na krótko przed wprowadzeniem stanu wojennego w jej rodzinnym kraju.

Jako emigrantka pisała scenariusze dla innych reżyserów na emigracji i pracowała przy wielu filmach w Europie, a później w Hollywood. Jest znana Europa Europa (1990), na podstawie historii niemiecko-żydowskiego chłopca, który w Hitlerjugend przeżył Holokaust, oraz W ciemności (2011), opowiadająca o dwóch pracownikach kanalizacji w okupowanym Lwowie.

Holland, obecnie 75-letni, to prawdopodobnie najbardziej znany żyjący polski reżyser – a na pewno najsłynniejszy reżyser w kraju. To jednak tylko jedna z wielu reżyserek w historii polskiego kina.

Przedstawiamy dziesięć filmów, które polskie reżyserki trzeba koniecznie zobaczyć – od awangardowych krótkometrażówek międzywojennych po współczesne kino queer.

Franciszka Themerson: Europa (1931)

Aż do spektakularnego ponownego odkrycia film Franciszki Themerson był filmem eksperymentalnym Europa (1931), który wyreżyserowała wraz z mężem Stefanem, uznano za zaginiony. Odrestaurowany antyfaszystowski film krótkometrażowy, którego premiera odbyła się w 2021 roku, to jeden z pierwszych i najważniejszych polskich filmów awangardowych.

Europa to dystopijny strumień obrazów wojny i katastrofy ekologicznej, przemieszany z surrealistycznymi ujęciami roślin, nóg, fortepianu, chleba i bijącego serca. Film powstał w sypialni pary i był montowany na kuchennym stole, kręcony pożyczoną kamerą i bez budżetu.

Po wyjeździe do Francji w 1938 r. Themerson (z domu Weinles) rozpoczęła pracę jako kartograf dla polskiego rządu na uchodźstwie, po czym uciekła do Londynu, gdzie współreżyserowała film antywojenny Zadzwoń do pana Smitha (1943).

Agnieszka Smoczyńska: Luka (2018)

Drugi film Agnieszki Smoczyńskiej to thriller psychologiczny opowiadający o młodej kobiecie, która w tajemniczy sposób straciła wszelkie wspomnienia ze swojego poprzedniego życia.

Po tym jak mąż Krzysztof (Łukasz Simlat) rozpoznał ją w telewizji, Alicja (Gabriela Muskała) wraca do rodziny na Dolnym Śląsku. Tam zaczyna interesować się swoim życiem przed amnezją. Jej mąż i pięcioletni syn Daniel (Iwo Rajski), którego zna jako Kingę, są dla niej obcy.

Granice pomiędzy magią a rzeczywistością zacierają się, Luka to feministyczna refleksja na temat kryzysu tożsamości i domostwa. Zniknięcie Alicji w dzicz jest ucieczką od obowiązków rodzinnych i macierzyństwa oraz poszukiwaniem szczęścia. Co by było, gdybyśmy zostawili nasze życie za sobą i powrócili do niego jako obcy?

Natalia LL: Sztuka konsumpcyjna (1972–1975)

Dziewczyny chcą się po prostu dobrze bawić. Kultowy film Natalii LL Sztuka konsumpcyjna (1972–1975) przedstawia różne modele pożerające banany, lody i kiełbaski. To najbardziej znana twórczość artystki, pionierki sztuki konceptualnej i feministycznej, która w żartobliwy sposób wprowadziła erotykę do pozbawionej płci kultury popularnej PRL-u.

Zbliżenie blondynki gładzącej językiem i zębami banana. Patrzy bezpośrednio w kamerę i uśmiecha się. Czy to fałszywa reklama czy pornografia? Opracowywany przez trzy lata Sztuka konsumpcyjna to badanie seksu i konsumpcji, pragnień i przyjemności w socjalizmie państwowym.

W wyniku anonimowej skargi złożonej w 2019 roku prace Natalii LL zostały usunięte z wystawy w Muzeum Narodowym w Warszawie, co świadczy o radykalnej pilności jej dzisiejszej sztuki feministycznej.

Aga Woszczyńska: Cicha kraina (2021)

Jako „śródziemnomorski film noir” debiut Agi Woszczyńskiej to jeden z najciekawszych polskich filmów ostatnich lat.

Niesamowicie idealne małżeństwo (Agnieszka Żulewska i Dobromir Dymecki) wynajmuje dom wakacyjny na włoskiej wyspie. Raj zostaje wkrótce przyćmiony przez zepsuty basen, co wywołuje serię śmiertelnych wydarzeń. Wakacje zrujnowane!

Cicha kraina rozwija się jako dramat relacji, przypowieść o kryzysie uchodźczym w Europie i subtelne badanie męskości – a wszystko to w porywającej, absolutnie doskonałej filmowej perełce. Woszczyńska nie oferuje swoim widzom łatwego wyjścia, żadnego moralnego rozwiązania, a jedynie mroczne drżenie tych, którzy są zbyt uprzywilejowani, by stanąć w obronie innych.

Jej debiut tworzy świat jednocześnie hiperrealny i magiczny, nie czarno-biały, ale w odcieniach szarości.

Wanda Jakubowska: Ostatni etap (1948)

Wydany trzy lata po zakończeniu II wojny światowej pt. Ostatni etap uważany za pierwszy film o Holokauście, koszmarne arcydzieło, które wywarło głęboki wpływ na Stevena Spielberga. Film przedstawia ostatnie dni w Auschwitz i opowiada historię Marty Weiss (Barbara Drapińska), polskiej Żydówki, która pracuje jako tłumaczka.

Film wyreżyserowała komunistyczna reżyserka Wanda Jakubowska, która brała także udział w pisaniu scenariusza. Była pierwszą kobietą reżyserką nominowaną do Oscara w 1933 roku. Film oparty jest na jej własnych doświadczeniach jako ocalałej z obozu koncentracyjnego w Auschwitz.

Scenariusz powstał już w grudniu 1945 roku. Film został częściowo nakręcony na terenie byłego obozu zagłady, gdzie Jakubowska sprowadzała żołnierzy Armii Czerwonej, byłych więźniów, mieszkańców wsi i niemieckich jeńców wojennych. Ekipa filmowa mieszkała w kwaterze SS, a reżyser w dawnej willi komendanta obozu Rudolfa Hößa, która niedawno stała się mrocznym tłem dla nagrodzonego Oscarem filmu Jonathana Glazera. Strefa zainteresowań (2023).

Ostatni etap po mistrzowsku łączy horror z surrealizmem: blokowa uspokaja ją piosenkami uwięzionej Cyganki, niemiecki chłopiec wciela się w dowódcę SS, strażnik przytula się do jej nowego szczeniaka, a obozowy lekarz poza ekranem z zimną krwią zabija noworodka . Film ważny i niezapomniany.

Julia Orlik: jestem tutaj (2020)

W krótkometrażowym filmie poklatkowym Julii Orlik o chorobie i opiece kamera zatrzymała się na sparaliżowanej, nieuleczalnie chorej kobiecie w łóżku. W tle widać jej starego, kochającego męża i opiekującą się nią córkę.

Krótką wizytę składają jej lekarz i ksiądz. Pilot do łóżka już nie działa. Wnuki boją się jej dotykać. Gdy stan kobiety się pogarsza, jej mąż żartuje z jej „seksownej bielizny”.

Sceneria może się zmienić, ale kobieta nie porusza się – dopóki łóżko nie będzie puste. jestem tutaj to zapadająca w pamięć animacja lalkowa, która delikatnie traktuje o samotności i stracie.

JESTEM TUTAJ / JESTEM TUTAJ / scenariusz i reżyseria / film Julii Orlik poza Szkoła Filmowa w Łodzi Na Vimeo.

Barbara Sass: Bez miłości (1980)

Kultowy klasyk Barbary Sass podąża za młodą dziennikarką po jej wyboistej drodze do sukcesu. Blond i punkowa Ewa (Dorota Stalińska) jest tak samo pozbawiona skrupułów i cyniczna, jak otaczający ją mężczyźni w redakcji. Śpi i za wszelką cenę goni za swoją przełomową historią.

Pewnej nocy robi zdjęcie biednej, ciężarnej wiejskiej dziewczyny Marianny (Małgorzata Zajączkowska), która jest molestowana przez swojego partnera. Ewa zaprzyjaźnia się z kobietą ponad granicami i opowiada jej o własnej przeszłości. Kończy się to tym, że dziennikarka bezlitośnie wykorzystuje nieszczęście Marianny dla własnej kariery – w rzekomo bezklasowym społeczeństwie.

Bez miłości oferuje także ironiczną analizę feminizmu, która pozostaje niejednoznaczna. Podczas gdy Ewa gra wyemancypowaną, samorealizującą się kobietę zawodową, jej matka całymi dniami pracuje w szpitalu i opiekuje się wnuczką. W społeczeństwie „bez miłości” kobiety stają w obliczu seksizmu i mizoginii, dźwigając jednocześnie podwójny ciężar pracy i reprodukcji społecznej.

Ola Jankowska: anatomia (2021)

Stylowy i niespieszny dramat Oli Jankowskiej to hipnotyczny film o tożsamości i żałobie. Ponad 30-letnia Mika (Karolina Kominek) wraca do Polski, aby odwiedzić ojca (Andrzej Poniedzielski), który przebywa w szpitalu z uszkodzeniem mózgu. Spotyka się w Warszawie ze starymi znajomymi i wyrusza w podróż w przeszłość.

Jankowska wywołuje nostalgię, kolażując materiały cyfrowe i archiwalne, nagrania VHS i w podczerwieni. Warszawa w szarym listopadzie jest takim samym bohaterem jak zmysłowe ciało Miki. Melancholijny senny świat miasta tworzy anatomia pamiętne studium w izolacji (filmowanie przerwała pandemia Covid-19).

Helena Lemańska: Listy z Wietnamu (1956)

Antykolonialny dokument Heleny Lemańskiej oferuje rzadkie spojrzenie na komunistyczny Wietnam z polskiej perspektywy. Film został nakręcony w styczniu i czerwcu 1955 roku, po pierwszej wojnie indochińskiej i zaledwie kilka miesięcy przed wybuchem wojny w Wietnamie.

Film, zrealizowany dla Polskiej Kroniki Filmowej, zawiera cenny zbiór „listów” z północnego Wietnamu, m.in. z wiejskiego Phú Thọ i stolicy Hanoi. Na przemian portret intymny i socrealistyczny film propagandowy. Listy z Wietnamu był drugim dokumentem Lemańskiej z kraju.

Podczas swoich podróży polska ekipa spotyka byłych żołnierzy, spółdzielczych rolników i ekipę filmową, która pieszo zwiedza wioski. Lemańska często odnajduje zwyczajność w egzotyce, znajomość w nieznanym: „Ryż w Wietnamie jest jak chleb i ziemniaki w Polsce”.

Podobnie jak w ich własnym kraju, rany wojenne są wciąż świeże. Obydwa kraje usilnie starają się odbudować swoje miasta z ruin.

Listy z Wietnamu (1956), reż. Helena Lemańska. Źródło zdjęcia: 35mm.online/Wytwórnia Filmów Dokumentalnych i Fabularnych (WFDiF)

Małgorzata Szumowska: W imię (2013)

W imię śledzi tajemniczego, samotnego księdza Adama (Andrzej Chyra), który został przeniesiony z Warszawy na Mazury. Tam pracuje z trudną młodzieżą i zdobywa ich szacunek.

Wiara Adama zaczyna się kruszyć, gdy zakochuje się w podobnym do Jezusa piromanie „Dyni” Łukaszu (Mateusz Kościukiewicz). Wyrywa się ze swojego społecznego kaftana bezpieczeństwa i buntuje się zarówno przeciwko heteronormatywności, jak i kościołowi. W żartobliwie transgresyjnej scenie tańczy dziko z obrazem papieża.

Biblijna narracja Małgorzaty Szumowskiej o grzechu i karze stanowi ostry komentarz na temat autorytetu moralnego Kościoła rzymskokatolickiego we współczesnym społeczeństwie polskim. Tam, gdzie zawalił się porządek społeczny, Kościół zapewnia stabilność i propaguje wartości konserwatywne. Subtelny, napięty i klaustrofobiczny, W imię to klasyka polskiego kina gejowskiego.

Notatki z Polski są prowadzone przez niewielki zespół redakcyjny i wydawane przez niezależną fundację non-profit utrzymywaną z datków naszych czytelników. Bez Waszego wsparcia nie jesteśmy w stanie wykonywać naszej pracy.

Źródło obrazu głównego: Gutek Film

Isabel Jacobs jest londyńską pisarką i pracownikiem naukowym. Jej specjalnością jest filozofia i kino Europy Środkowo-Wschodniej.